Critique Ciné : Meadowlarks (2026, direct to SVOD)

Meadowlarks // De Tasha Hubbard. Avec Michael Greyeyes, Carmen Moore et Alex Rice.

Avec Meadowlarks, Tasha Hubbard passe du documentaire à la fiction en s’appuyant sur un sujet qu’elle connaît intimement : le Sixties Scoop. Cette politique canadienne, mise en place à partir des années 1960, a arraché des milliers d’enfants autochtones à leurs familles pour les placer dans des foyers blancs. Hubbard avait déjà abordé ce traumatisme dans son documentaire Birth of a Family. Ici, elle choisit la voie du cinéma de fiction pour raconter les retrouvailles de cinq frères et sœurs, séparés pendant l’enfance, qui tentent de recréer un lien le temps d’un séjour à Banff. L’intention est forte, légitime, et profondément humaine. Le résultat, en revanche, reste plus fragile.

Quatre frères et sœurs indigènes Cree, Connie, Marianne, Gwen et Anthony, séparés à la naissance pour être adoptés par des familles blanches décident de se rencontrer pour la première fois lors d'un week-end dans les montagnes de Banff.

Le film se concentre presque exclusivement sur quatre des cinq frères et sœurs : Anthony, Connie, Marianne et Gwen. George, le cinquième, reste à distance, incapable de participer à cette réunion tant le passé reste douloureux. Le récit se déroule sur un week-end, dans un chalet avec vue sur les montagnes et les lacs de Banff. Ce cadre n’est pas anodin. Il inscrit les personnages sur une terre autochtone, rappelant silencieusement ce qui leur a été volé, à la fois sur le plan familial et culturel. Visuellement, Meadowlarks profite pleinement de cet environnement. Les plans larges sur la nature canadienne apportent une respiration bienvenue et donnent parfois au film une ampleur émotionnelle que la mise en scène peine à trouver ailleurs.

Car le principal problème de Meadowlarks réside justement dans sa réalisation. Tasha Hubbard filme avec beaucoup de respect, mais aussi avec une certaine retenue qui finit par aplatir les enjeux. Les scènes les plus importantes se déroulent souvent à l’intérieur du chalet, dans un espace restreint qui aurait nécessité une direction plus inventive. Or, la caméra reste très sage, presque scolaire. Les choix de cadrage semblent dictés par l’efficacité plutôt que par le désir de traduire les non-dits, les tensions souterraines, les blessures encore ouvertes. Le film donne parfois l’impression d’assister à une pièce de théâtre filmée, où le dialogue porte tout le poids du récit. Heureusement, le scénario, coécrit avec Emil Sher, parvient à équilibrer les voix.

Chaque frère et sœur existe comme un personnage à part entière, avec son vécu, ses manques et ses contradictions. Aucun ne disparaît complètement derrière les autres, même lorsque Gwen, interprétée par Michelle Thrush, prend une place plus centrale. Son personnage, plus fermé, plus en colère aussi, incarne une douleur qui refuse de se dire facilement. C’est d’ailleurs l’une des réussites du film : montrer que le traumatisme du Sixties Scoop ne se manifeste pas de la même manière chez chacun. Le scénario parvient aussi à faire cohabiter des moments de joie sincère avec des tensions plus dures. Les rires, les maladresses, les silences gênés rappellent que ces adultes partagent un lien de sang, mais pas une histoire commune. 

Certains veulent vivre ces retrouvailles comme une parenthèse presque touristique, d’autres ressentent un profond malaise face à cette approche. Ces divergences nourrissent le conflit et évitent au film de sombrer dans un simple récit de réconciliation facile. En revanche, le traitement du personnage de George reste frustrant. Son absence est symboliquement forte, représentant tous ceux qui n’ont jamais pu renouer avec leur famille. Mais sur le plan narratif, le film se contente de quelques échanges téléphoniques, trop courts pour donner de l’épaisseur à son refus. Quelques scènes supplémentaires auraient permis de mieux comprendre ce blocage et d’apporter une nuance supplémentaire au propos.

Le poids émotionnel repose largement sur les acteurs, et la distribution est globalement solide. Michael Greyeyes, en frère aîné introverti, met du temps à trouver son rythme, mais finit par donner une vraie densité à Anthony, tiraillé entre responsabilité et culpabilité. Michelle Thrush se démarque par une intensité plus brute, notamment dans les scènes où Gwen se heurte aux autres. Carmen Moore et Alex Rice apportent des nuances intéressantes, même si leurs personnages semblent parfois dire leurs émotions de façon trop directe. C’est l’un des écueils majeurs de Meadowlarks : les dialogues. Beaucoup de personnages expriment leurs pensées avec une clarté presque trop parfaite. 

Les mots semblent parfois écrits pour transmettre un message plutôt que pour sonner vrai. Cette tendance donne au film un ton proche du téléfilm dramatique, où chacun verbalise ses blessures sans les hésitations, les silences ou les maladresses propres aux vraies discussions familiales. À force de tout dire, le film enlève une part de mystère et d’émotion brute. Pourtant, Meadowlarks touche juste dans sa manière de montrer les différences de parcours. Certains frères et sœurs ont grandi dans des familles blanches relativement stables, d’autres ont connu l’errance, la violence ou l’isolement culturel. Ces trajectoires divergentes créent des incompréhensions subtiles, parfois liées au langage, parfois aux références culturelles. 

Le film observe ces écarts avec délicatesse, même s’il appuie parfois trop fort sur certains conflits pour les rendre visibles. La dimension culturelle est abordée avec respect, notamment à travers des rituels et des discussions autour de l’héritage autochtone. Le film rappelle que la reconstruction ne passe pas uniquement par la famille, mais aussi par une reconnexion à une identité plus large. Sur ce point, Meadowlarks trouve un équilibre intéressant, sans tomber dans le didactisme pur. Au final, Meadowlarks est un film important par son sujet. Il participe à une mémoire collective encore trop peu connue, surtout en dehors du Canada. Mais en tant qu’œuvre de fiction, il reste en retrait par rapport à ce qu’il raconte. 

La mise en scène manque d’audace, les dialogues sont parfois trop écrits, et l’émotion peine à circuler pleinement. Le film reste sincère, touchant par moments, mais rarement bouleversant. Pour celles et ceux qui s’intéressent à l’histoire du Sixties Scoop, Meadowlarks constitue une porte d’entrée accessible, même si je conseillerais plus la mini-série Little Bird (2023) présentée il y a quelques années au Festival Séries Mania et qui est parfaite à bien des égards. 

Note : 5/10. En bref, le film de Tasha Hubbard a le mérite d’exister, de donner des visages et des voix à une douleur collective. Mais elle laisse aussi l’impression d’un film qui effleure son sujet là où il aurait pu creuser plus profondément.

Prochainement en France en SVOD